12. Agosto – 18. Septiembre 2010

Los festivales de verano son un escaparate inmejorable para conocer, palpar y saborear la cultura de los pueblos. En las diferentes programaciones –a veces incoherentes –podemos observar hasta qué punto tal o cual sociedad ama y entiende realmente lo que significa el arte musical, pero ante todo, un festival adquiere renombre internacional y alcanza una importancia en el porvenir cuando los responsables llegan a la conclusión que la música contemporánea ha de tener tanta presencia o más, que la romántica o la clásica. Y Michael Haefliger, director del Festival de Lucerna, esto lo tiene muy claro.

Si contamos una a una las obras pertenecientes a los compositores vivos que se han interpretado durante este verano en los diversos escenarios de la ciudad suiza, observaremos que superan las setenta, sí efectivamente, lo han leído bien, más de setenta, y en la mayoría de conciertos el papel estaba completamente vendido.

Dieter Ammann (1962) ha sido este año el agraciado compositor residente (¿cuándo aparecerá este imprescindible cargo en los festivales de Santander, Granada, San Sebastián, Canarias, …?), Pierre Boulez, como los últimos años, ha coordinado y dirigido la Orquesta de la Academia, decenas y decenas de jóvenes intérpretes han escuchado los consejos del octogenario maestro para alcanzar un nivel óptimo en la interpretación de la música de nuestros días, miles de personas han escuchado las nuevas tendencias imaginadas por Michael Jarrell, Avner Dorman, Brice Pauset, Michael Obst, Rebecca Saunders, Gérard Pesson o Philippe Fénelon entre otros, y un séquito de periodistas hemos asistido y nos hemos rendido, una y otra vez, al ideal en cuanto organización y concepto.

El KKL (Kultur und Kongresszentrum Luzern), extraordinario edificio diseñado por el arquitecto Jean Nouvel y acondicionado acústicamente por el desaparecido Russell Johnson, es, sin querer exagerar, el mejor auditorio del planeta, y esto es algo muy significativo para una ciudad de tan solo setenta y cinco mil habitantes en la que cada uno de ellos, muestra sin reparo alguno, un respeto absoluto al acto de la creación musical.

Por cierto, se me olvidaba, Claudio Abbado dirigió la Novena de Mahler.

Cuando terminó la obra el público se mantuvo en silencio absoluto durante tres minutos.

Luego aplaudieron durante quince.

Fue una experiencia mágica, única, reveladora, mística, incluso iniciática.

El año que viene más, pero no mejor.

Es imposible superar la perfección.

Israel David Martínez / Lucerna (Suiza)

La fille du régiment

13 de marzo de 2010

Gran Teatro del Liceu

La hija del regimiento es sin duda uno de los mayores éxitos de Domenico Gaetano Maria Donizetti.

Si bien no tiene la inspiración de Don Pascuale –auténtica ópera bufa–, y además nunca pretende rozar el más mínimo interés narrativo –tampoco fue su objetivo –, la alegría melódica y animación rítmica, dejan percibir la influencia populista de Boïeldieu y del Rossini más chispeante.

No obstante, por encima de consideraciones sobre si pertenece o no, al denostado compendio de títulos menores, sus roles son atractivos para cualquier cantante que desee llamar a las puertas de la fama.

En la producción que acaba de presentar el coliseo barcelonés –con las entradas agotadas desde hacía meses –, existía una gran expectación sobre el modo en el que Juan Diego Flórez abordaba la gran aria “Ah, mes amis, quel jour de fête”, que exige al tenor nada más y nada menos que la proeza de superar nueve Do agudos. Pues bien, en la jornada del trece de marzo, el tenor peruano realizó una interpretación antológica que quedarán en la memoria de los que tuvimos la fortuna de asistir a una de aquellas noches en las que, las condiciones vocales y el espíritu del artista se unen para hacer gozar al respetable de una manera mágica y emocionante. Después de recibir casi diez minutos de aplausos y de contemplar a la totalidad del teatro en pie, Juan Diego Flórez volvió a cantar por segunda vez el aria… pocas veces –el que escribe –, ha escuchado tantos bravos en sus más de veinticinco años asistiendo a las diferentes temporadas del Liceu.

Una dicción clara, unos agudos con fuerza y amplios, una expresión bella y amable, una presencia impactante… en fin, la perfección hecha tenor, para qué nos vamos a engañar, y a su lado, en el comprometido papel de Marie, es decir, la hija del regimiento, la joven Patrizia Ciofi se contagió del poder apabullante de su amado, y al final demostró ser una de las voces a tener en cuenta en el futuro.

© by Israel David Martínez

Marten Heritage Getz

Marten Coltrane Momento

Tristan und Isolde

El pasado 23 de enero se estrenó en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona una de las óperas más esperadas de toda la temporada, el Tristán e Isolda de Richard Wagner.

En el ambiente se respiraba una euforia contenida ya que por un lado, el reparto prometía una versión de referencia y por otro, todo el mundo era consciente de que iba a presenciar algo más que una ópera. Escuchar y ver esta obra de Wagner es una experiencia casi religiosa; uno sale embriagado por un filtro sonoro de casi cuatro horas de duración.

Bajo el yugo filosófico de Schöpenhauer, Wagner planifica un desarrollo escénico en tres actos absolutamente brillante: el primero, el día; el segundo , la noche; el tercero, la muerte; además, este poema de amor presenta la simetría de un tríptico : las tablas primera y tercera afirman la presencia simbólica del mar y la segunda es el acto del bosque, noche vegetal que ofrece su oscura protección a los amantes.

Se podría decir sin temor a equivocarse que es la ópera de las óperas. La obra de arte total y absoluta. De ella se sale emocionado, con lágrimas en los ojos, con un espíritu tocado y vencido, con el deseo de volver a sumergirse en su belleza y pasión, y además, durante días y semanas su música resuena en la mente como si fuera una llamada mágica a la oración, un rezo al amor verdadero.

Y los cantantes cumplieron con lo prometido. Deborah Voigt y Peter Seiffert como Isolda y Tristán respectivamente, estuvieron soberbios, fantásticos, absolutamente comprometidos con la partitura y la acción dramática. En el caso concreto de Voigt, hizo un primer acto lleno de matices y con una voz extraordinaria, en el segundo se mantuvo dentro del nivel propuesto aunque en el tercero se le notó algo cansada, por el contrario el Tristán de Seiffert fue ganando carácter y expresividad a medida que iban pasando los minutos.

El resto del reparto, Kwangchul Young como el Rey Marke, Bo Skovhus en Kurwenal, Michaela Schuster como Brangäne o Norbert Ernst en el papel de Melot, estuvieron soberbios.

La dirección musical de Sebastian Weigle empezó algo nerviosa y precipitada pero supo templar los nervios y hacer una lectura consistente y eficaz.

Sin duda no será fácil poder ver en escena durante los próximos meses en los teatros de ópera de nuestro país, tanta cantidad de talento unido con el único propósito de emocionar usando la belleza como único vehículo de expresión.

© by ISRAEL DAVID MARTÍNEZ

Concierto de la Filarmónica de Nueva York

Una de las orquestas más prestigiosas del planeta, la Filarmónica de Nueva York, ha ofrecido una serie de conciertos en nuestro país –Barcelona, Madrid y Zaragoza –, en su habitual gira europea de invierno.

El programa que interpretó en el Palau de la Música Catalana el pasado 21 de enero, estuvo compuesto por la Sinfonía nº 49 de Franz Joseph Haydn, The Wound-Dresser de John Adams con Thomas Hampson como solista, la Sinfonía nº 8 “Inacabada” de Franz Schubert, y para terminar las Tres piezas para orquesta, op. 6 de Alban Berg.

Uno de los atractivos del concierto era la presentación en el viejo continente del nuevo director titular de la formación, Alan Gilbert, el primer neoyorquino que alcanza tal distinción en toda la historia de la orquesta.

La velada musical tuvo como denominador común, altos y bajos en cuanto a expresividad e interpretación estilística.

En un principio, sorprendió de ante mano, un programa ideado para que la orquesta completa solamente apareciera en la última obra. Esta manera de programar, si bien es la mejor para que el conjunto no se agote y pueda estar fresco en las siguientes actuaciones, desconcierta al público que va ilusionado para disfrutar con el sonido pletórico que alcanza cuando todos los efectivos están en escena.

Thomas Hampson estuvo más que correcto en una obra de Adams que no pasará de ninguna manera a la historia de la música debido a una falta preocupante de recursos imaginativos, por otro lado se podría decir que ésta es la firma personal y minimalista de este afamado compositor americano.

El mencionado Gilbert, mostró maneras de liderazgo y comprensión analítica de las obras interpretadas, pero debería centrarse en el repertorio del siglo XX y XXI para poder expresarse con más autoridad, éste es un periodo de la historia de la música que le va como anillo al dedo a esta orquesta, por lo que sería más prudente dejar el repertorio del clasicismo a otras formaciones más especialistas.

© by ISRAEL DAVID MARTÍNEZ